Y2K, 미니멀, 콰이어트 럭셔리 등. 몇 시즌 동안 우리 곁에 맴돌았던 패션 트렌드다. 이들의 공통점은 볼륨과는 거리가 먼, 슬림한 옷차림이라는 점이다. 몸의 라인을 드러내기 위해 옷과 몸 사이의 여백은 최소한으로 허용하는 실루엣. 이 실루엣은 멋스러움과 세련됨을 상징하는 공식처럼 작동하며 우리 몸과 패션 신을 은근히 압박해 왔다. 그리고 이번 시즌, 이 공식에 균열이 생길 예정이다.
바람을 잔뜩 불어넣은 듯 빵빵한 실루엣이 런웨이를 압도적으로 채웠기 때문이다. 사실 ‘볼륨’이란 패션에서 빠질 수 없는 필수 요소다. 극적인 패션 신을 완성하는 데 이만한 장치도 드물다. 이는 복식사에도 분명히 드러난다. 중세의 크고 풍성한 로브부터 바로크 시대의 넓게 퍼진 스커트, 로코코 시대의 파니에와 빅토리아 시대의 크리놀린에 이르기까지, 볼륨은 오랫동안 권력과 신분, 이상적인 여성성을 시각화하는 도구로 기능해 왔다. 옷의 크기와 형태는 단순한 아름다움을 위한 선택이 아니라, 사회적 위계와 가치관을 드러내는 언어로 통용됐다.
2026 봄 여름 시즌에 등장한 볼륨 트렌드 역시 이런 복식사의 연장선에 있다. 다만 과거처럼 신체를 과장하거나 규범에 가두기보다 훨씬 다양한 방식으로 볼륨 패션을 재해석했다는 점에서 차별화된다. 가장 과장된 볼륨 플레이를 즐긴 인물은 알렉산더 맥퀸의 션 맥기르. 하늘 위에 있어야 할 것 같은 거대한 패러수트를 연상시키는 드레스를 입은 모델이 등장했고, 파워플하고 빠른 캣워크에 역행하듯 불어온 바람이 드레스 안으로 스며들며 옷자락을 커다랗게 부풀렸다.
생 로랑 역시 볼륨으로 드라마를 만들어냈다. 빅토리아 시대의 드레스를 현대적으로 재해석한 안토니 바카렐로는 풍성한 러플이 겹겹이 달린 드레스를 우아하고 고급스러운 컬러 웨이로 선보였다. 얇고 가벼운 소재로 완성된 드레스는 바람에 반응하며 형태를 바꿨고, 야외 런웨이라는 조건에서 볼륨감은 더욱 선명하게 부각됐다. 한편 상·하의 볼륨을 대비적으로 활용한 브랜드도 눈에 띈다.
발렌시아가와 알라이아는 상체를 절제하는 대신 하체에 과감한 볼륨을 실어 실루엣의 무게중심을 낮췄다. 이때 스커트의 퍼지는 지점을 로 라이즈로 제작해 디자인을 모던하게 마무리한 것도 눈여겨볼 포인트. 이와 반대로 상체에 볼륨을 더한 건 자크뮈스. 얇은 화이트 롱 드레스를 제작했는데 상의 면적을 키워 케이프 같은 모습으로 만들었다. 런웨이에 등장한 모델이 팔을 구부려 실루엣을 키웠고 드레스는 우아한 자태의 실루엣으로 펼쳐졌다.
한편 실험적인 볼륨 패션을 보인 곳도 많았다. 우산을 활용한 두 브랜드, 바로 준야 와타나베와 호다코바. 준야 와타나베는 아일렛 디테일의 화이트 코튼 드레스를 만들었는데, 우산을 페티코트처럼 활용해 스커트를 구조적인 모습으로 구현했다.
호다코바는 우산 살을 활용해 입체적인 실루엣을 고안한 드레스와 스커트 자락에 덧붙였다. 그 밖에 커다란 풍선 두 개가 들어간 듯한 실루엣으로 볼륨감 있게 완성한 디올의 드레이핑 드레스, 아웃도어 코드를 접목한 세실리에 반센의 튀튀 스커트까지. 디자이너의 볼륨 플레이가 새 시즌을 자극했다.
이들의 접근은 볼륨을 단순히 ‘크게’ 만드는 것이 아니라 어디에, 어떻게 배치하느냐에 따라 전혀 다른 인상을 만들어낼 수 있음을 보여준다. 활짝 피어난 새 시대의 볼륨이 이번 시즌의 공식으로 통했다.
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