[투어코리아=박태성 기자] 미국 현대미술을 대표하는 화가 조지아 오키프(1887~1986)의 예술세계를 미국 모더니즘의 형성과 발전 과정 속에서 살펴보는 전시가 국내에서 처음 열린다.
국립현대미술관은 11월 12일부터 2027년 3월 21일까지 과천관 제2전시실에서 《조지아 오키프와 미국 모더니즘》을 개최한다.
이번 전시는 꽃과 자연, 동물의 뼈, 사막의 풍경을 자신만의 조형언어로 표현한 오키프의 작품을 중심으로 20세기 전반 미국 미술이 전통적인 재현 방식에서 벗어나 새로운 표현을 모색한 과정을 조명한다.
오키프는 자연의 형태를 단순화하거나 확대하고, 색채와 곡선의 관계를 통해 추상과 구상의 경계를 탐구한 화가다. 특히 미국 남서부 뉴멕시코의 붉은 대지와 암석, 동물의 뼈는 그의 독창적인 작품세계를 형성한 주요 소재로 알려져 있다.
전시는 오키프 개인의 작품에만 집중하지 않는다. 사진가이자 출판인, 갤러리 운영자였던 알프레드 스티글리츠를 중심으로 활동한 예술가들이 미국 모더니즘을 어떻게 발전시켰는지 함께 살펴본다.
스티글리츠는 사진을 독립적인 예술로 인정받게 하는 데 기여했으며, 자신의 갤러리와 출판 활동을 통해 미국 현대미술을 적극적으로 소개했다. 오키프의 예술적 동반자이자 배우자이기도 했던 그는 아서 도브, 마스든 하틀리, 찰스 디무스 등 당대 화가들의 활동을 지원했다.
전시는 시카고미술관의 알프레드 스티글리츠 컬렉션을 바탕으로 사진과 회화를 함께 소개하며, ‘미국 모더니즘의 시작’, ‘미국 모더니즘의 전개’, ‘모더니즘 이후: 뉴멕시코에서의 조지아 오키프’ 등 3부로 구성된다.
사진에서 시작된 변화…미국 모더니즘의 출발
1부 ‘미국 모더니즘의 시작’은 스티글리츠와 그가 교류한 예술가들의 작품을 통해 미국 현대미술이 형성되던 시기를 다룬다.
대표적인 작품은 스티글리츠의 사진 《삼등선실》(1907)이다. 배의 상층 갑판과 아래쪽 공간에 자리한 사람들을 하나의 화면에 담은 작품으로, 계단과 난간, 쇠사슬이 만드는 기하학적 구도 속에 당시의 사회적 풍경을 포착했다.
《뉴욕의 구시가지와 신시가지》(1910)에서는 오래된 건물과 새롭게 들어서는 고층 건축물이 대비된다. 20세기 초 산업화와 도시 개발로 급격하게 변화하던 뉴욕의 모습이 사진에 담겼다.
이러한 도시의 변화는 회화에도 영향을 미쳤다. 존 마린은 《브루클린 다리, 제6번(흔들림)》(1913)과 《울워스 빌딩(춤)》(1913)에서 뉴욕의 건축물을 역동적인 선과 형태로 표현했다.
사진과 회화는 서로 다른 매체였지만, 급변하는 도시와 현대적 삶을 새로운 시각으로 포착하려 했다는 공통점을 보여준다.
도시의 산업시설과 자연의 리듬…미국 모더니즘의 확장
2부 ‘미국 모더니즘의 전개’에서는 도시와 자연이라는 서로 다른 환경이 예술가들에게 어떤 영향을 미쳤는지 살펴본다.
아서 도브의 《은색 탱크》(1929)는 산업시설인 저장탱크를 화면의 주요 소재로 삼는다. 마스든 하틀리의 《프로빈스타운》(1916)은 사물의 형태를 기하학적으로 재구성하고 색면을 결합해 추상적인 화면을 만들어낸다.
반면 미국 남서부의 자연은 또 다른 예술적 실험의 출발점이 됐다. 마스든 하틀리의 《풍경 제26번》(1909~1910)은 자연의 색채와 형태를 강조하고, 사진가 에드워드 웨스턴의 《단테스 뷰, 데스 밸리》(1938)는 광활한 지형을 흑백사진으로 포착했다.
이 시기 오키프의 작품에서는 눈에 보이는 대상을 그대로 묘사하는 대신 감각과 움직임을 시각적인 형태로 전환하려는 시도가 나타난다.
대표작 《파랑과 초록 음악》(1919~1921)은 푸른색과 초록색의 곡선, 검은색의 기하학적 형태가 서로 교차하는 추상회화다. 물결처럼 이어지는 색채와 유기적인 형태는 화면에 리듬과 움직임을 만들어낸다.
오키프는 음악과 추상의 관계에 관심을 가졌으며, 바실리 칸딘스키의 예술 이론과 아서 웨슬리 다우의 가르침에서도 영향을 받았다. 《파랑과 초록 음악》은 소리와 같은 감각적 경험을 회화로 표현하려 했던 그의 초기 실험을 보여준다.
뉴멕시코의 붉은 대지와 소의 두개골…오키프만의 예술세계
전시의 마지막인 3부 ‘모더니즘 이후: 뉴멕시코에서의 조지아 오키프’는 오키프가 미국 남서부의 자연과 문화를 만나 독자적인 예술세계를 발전시킨 과정에 집중한다.
오키프는 1929년 사진가 폴 스트랜드의 부인 레베카 스트랜드와 함께 뉴멕시코를 여행했다. 이후 뉴욕과 뉴멕시코를 오가며 작업했고, 이 지역의 사막과 암석, 붉은 언덕, 동물의 뼈를 주요 소재로 삼았다.
뉴멕시코는 마스든 하틀리, 폴 스트랜드, 존 마린, 앤설 애덤스 등 여러 예술가가 교류하던 장소이기도 했다. 그러나 오키프는 이곳에서 발견한 자연물을 자신만의 색채와 구성으로 재해석하며 독자적인 표현을 발전시켰다.
그러한 특징이 드러나는 작품이 《옥양목 꽃이 있는 소의 두개골》(1931)이다.
화면 중앙에는 커다란 소의 두개골이 놓여 있고, 그 위와 아래에 흰색 꽃이 배치돼 있다. 두개골의 단단한 형태와 꽃의 부드러운 곡선이 대비되며, 배경의 단순화된 색면은 두 소재를 더욱 두드러지게 한다.
오키프는 뉴멕시코 사막에서 발견한 동물의 뼈를 수집해 작품의 소재로 활용했다. 이 그림에 등장하는 꽃은 당시 뉴멕시코 지역의 장례 문화에서 사용되던 인공 꽃장식을 반영한다. 자연에서 발견한 사물과 지역의 문화적 요소가 하나의 화면에 결합한 작품이다.
《꽃이 있는 붉은 언덕》(1940)은 뉴멕시코의 지형을 전혀 다른 방식으로 보여준다.
화면에는 붉은 언덕이 길게 펼쳐지고, 곳곳에 흰색 야생화가 자리한다. 철분이 풍부한 뉴멕시코의 토양에서 나타나는 붉은 색채와 멀리 이어지는 산, 넓은 하늘이 대비된다.
오키프는 언덕의 형태를 단순화하면서도 굴곡과 색채의 변화를 강조했다. 이는 실제 풍경을 바탕으로 하되 작가의 시선에 따라 자연을 새롭게 구성하는 방식이다.
《햇빛 속의 화이트 플레이스》(1943)는 뉴멕시코의 흰 암석 지형을 소재로 한다.
두 개의 높은 암석 사이로 깊게 갈라진 공간이 화면 중앙에 V자 형태로 나타난다. 밝은 암석과 푸른 하늘이 대비되고, 바위 표면의 수평적인 층리가 강조된다.
오키프는 자동차를 이동식 작업실처럼 활용하며 뉴멕시코의 여러 지형을 직접 탐색했다. 비스티 배드랜즈의 ‘블랙 플레이스’와 아비키우 인근의 ‘화이트 플레이스’는 그가 반복적으로 찾으며 작품으로 남긴 장소다.
이러한 작업은 단순한 풍경 묘사를 넘어 자연의 형태와 색채, 공간을 자신만의 방식으로 재구성하려는 시도로 이어졌다.
전시에 소개되는 《블랙 플레이스》(1943) 역시 뉴멕시코의 지형에서 출발한 작품이다. 어두운 색조의 암석과 완만하게 이어지는 지층이 화면을 구성하며, 앞선 작품들과는 다른 자연의 모습을 보여준다.
오키프의 후기 작품 《후안과 보낸 하루 IV》(1977)에서는 자연을 바라보는 시선이 한층 간결한 형태로 나타난다. 푸른색 배경 사이로 넓은 회백색의 수직 형태가 화면을 차지한다. 구체적인 풍경을 세밀하게 묘사하기보다 색채와 형태의 관계를 강조한 구성이다.
오키프는 뉴멕시코에 정착한 이후에도 오랫동안 작품 활동을 이어갔다. 98세로 세상을 떠날 때까지 이 지역에 머물며 자신이 경험한 자연과 공간을 작품으로 남겼다.
이번 전시는 스티글리츠의 사진에서 출발해 산업화된 도시와 미국의 자연을 탐구한 예술가들의 실험을 거쳐, 뉴멕시코에서 독자적인 조형언어를 발전시킨 오키프의 작품세계로 이어진다.
관람객은 세 개의 전시 구성을 따라가며 20세기 전반 미국 모더니즘이 형성되고 확장된 과정과 함께, 오키프가 그 흐름 속에서 자신만의 예술적 정체성을 구축해 나간 과정을 살펴볼 수 있다.
전시는 국립현대미술관 과천관 제2전시실에서 2027년 3월 21일까지 열린다.
